2026 年中国矿业大学美术史论考研真题样题

一、艺术家论述（每题 30 分，共 90 分）

1. 谈石涛的绘画创作，列举一幅代表作

答案解析

（1）绘画创作核心特征（20 分）

1. “师法自然” 的创作理念

   石涛反对明末画坛 “摹古不化” 的风气，提出 “搜尽奇峰打草稿” 的核心主张 —— 强调画家需亲身游历山川，以自然为师，将实景转化为画中意境。他一生游历黄山、庐山、长江等地，笔下山水多源于实地观察，却非简单写实，而是通过笔墨重构自然神韵，如画面中山石的肌理、云水的流动，既保留自然形态的真实感，又融入主观情感与艺术提炼。
2. 笔墨语言的革新性

   石涛的笔墨兼具 “苍劲” 与 “灵动”，打破了传统山水画的程式化技法：

• 笔法：善用 “拖泥带水皴”，以浓淡交织的墨色、粗细变化的线条表现山石质感，如画面中岩石的凹凸纹理，通过笔锋的提按转折，呈现出湿润厚重的视觉效果；同时融入书法用笔，线条兼具骨力与韵律，避免机械的线条重复。
• 墨法：精通 “破墨”“积墨”“泼墨” 等技法，通过墨色的浓、淡、干、湿对比营造空间层次与氛围，如表现云雾时用淡墨渲染，表现山石阴影时用浓墨积染，使画面兼具层次感与气韵生动的特点。

3. 题材与构图的多样性
   石涛的创作题材以山水为主，兼擅花鸟、人物：

• 山水画：构图打破 “三远法” 的固定模式，常用 “截取式构图” 聚焦局部景致（如某一峰峦、一段溪流），通过虚实对比拓展画面空间，如《搜尽奇峰图》中，近景的岩石与远景的云雾形成疏密呼应，避免传统全景式构图的刻板。
• 花鸟画：风格简练纵逸，如《墨竹图》以寥寥数笔勾勒竹枝，通过墨色浓淡表现竹叶的前后层次，兼具文人画的 “逸气” 与写生的真实感。

4. “我自用我法” 的艺术个性
   石涛强调艺术创作的 “独创性”，在《苦瓜和尚画语录》中提出 “我自用我法”，主张画家需在学习传统的基础上突破成规，形成个人风格。他的作品不刻意追求 “仿古”，而是将个人经历（如明末遗民的家国情怀）融入画面，使笔墨承载情感，如晚期作品《清湘书画稿》，画面兼具苍郁沉雄与孤寂悲凉的基调，是其人生境遇的艺术投射。

（2）代表作：《搜尽奇峰图》（10 分）

1. 作品概况

   《搜尽奇峰图》为纸本水墨山水画，纵 42.8 厘米，横 285.5 厘米，现藏于北京故宫博物院，是石涛中年时期的代表作，创作于其游历黄山、长江之后，集中体现了 “搜尽奇峰打草稿” 的创作理念。
2. 艺术特色分析

• 构图：采用长卷式构图，却非传统的 “全景式叙事”，而是以 “移步换景” 的方式截取多个奇峰景致 —— 近景岩石用浓墨重彩勾勒，纹理清晰；中景山峦以淡墨皴染，层次分明；远景云雾用留白与淡墨结合，营造空灵意境，整体构图疏密有致，避免了长卷画常见的单调重复。
• 笔墨：运用 “拖泥带水皴” 表现山石质感，笔锋苍劲中带着灵动，墨色从浓到淡自然过渡，如岩石的受光面用淡墨，背光面用浓墨积染，既表现出山石的体积感，又传递出湿润的自然气息；树干与枝丫以书法笔意勾勒，线条遒劲，与山石的厚重形成对比。
• 意境：画面虽无人物点缀，却通过山石、云水的组合传递出 “人与自然相融” 的意境，既展现了自然山川的雄奇，又蕴含着石涛对自然的敬畏与对自由的追求，是 “师法自然” 与 “个性表达” 的完美结合。

2. 谈罗丹的雕塑创作，列举一件代表作

答案解析

（1）雕塑创作核心特征（20 分）

1. “以写实为基础，以情感为核心” 的创作理念

   罗丹反对新古典主义雕塑 “重形式、轻情感” 的倾向，主张雕塑应 “再现真实的人体与情感”。他的作品以人体为主要题材，却非简单模仿人体结构，而是通过肌肉的起伏、肢体的姿态传递人物的内心世界 —— 如痛苦、沉思、抗争等复杂情感，使冰冷的石材或青铜具有 “生命力”。
2. “残缺美” 与 “动态感” 的形式突破

   罗丹打破了传统雕塑 “追求完整、对称” 的审美标准，创造出独特的 “残缺美” 与 “动态感”：

• 残缺美：他认为 “真正的美不在于完整，而在于传递情感的核心”，常刻意保留雕塑的 “未完成感”，如《思想者》的手部与脚部细节并非精雕细琢，却通过肌肉的紧绷感凸显沉思的专注；部分作品甚至故意截断肢体（如《行走的人》仅保留躯干与腿部），以简化形式聚焦核心情感。
• 动态感：通过肢体的扭转、肌肉的紧张与松弛营造 “瞬间动态”，避免传统雕塑的静态平衡。如《青铜时代》中，人物从沉睡中苏醒的姿态，腿部肌肉的收缩、手臂的抬起，仿佛下一秒就要站立，打破了雕塑 “凝固于某一静态” 的局限。

3. 对 “肌理” 与 “材质” 的极致运用
   罗丹擅长根据题材选择材质，并通过肌理处理强化情感表达：

• 青铜材质：多用于表现力量感与历史感的题材，如《加莱义民》，青铜的厚重质感与粗糙肌理，凸显人物的坚韧与悲壮；通过氧化处理，青铜表面形成的绿锈更增添了作品的历史沧桑感。
• 大理石材质：多用于表现柔美、细腻的情感，如《吻》，白色大理石的温润质感与光滑肌理，传递出爱情的甜蜜与温柔；罗丹通过对大理石表面的抛光与打磨，使光线在雕塑表面形成柔和的明暗对比，增强人物肌肤的真实感。

4. “叙事性” 与 “象征性” 的结合
   罗丹的雕塑不仅是对个体的刻画，更蕴含着对人性、历史与社会的思考，兼具叙事性与象征性：

• 叙事性：如《加莱义民》以 14 世纪加莱市民为拯救城市自愿赴死的历史事件为背景，通过 6 位义民不同的姿态（如老者的坚毅、青年的恐惧），还原历史场景，传递集体牺牲精神。
• 象征性：如《思想者》以蹲坐的裸体男子为形象，并非特指某个人，而是象征人类对生命、命运的永恒思考，其肌肉的紧绷、眉头的紧锁，成为 “人类沉思” 的普遍符号。

（2）代表作：《思想者》（10 分）

1. 作品概况

   《思想者》（Le Penseur）最初为罗丹大型雕塑《地狱之门》的一部分，后独立成作，现存多个版本，其中青铜版本高 186 厘米，现藏于巴黎罗丹美术馆，是罗丹最具代表性的作品，创作于 1880—1882 年。
2. 艺术特色分析

• 造型：雕塑以裸体男子蹲坐为姿态，双腿弯曲，右手托腮，左手放在膝盖上，身体前倾，肌肉紧绷 —— 如背部肌肉的隆起、手臂肌肉的收缩，既符合人体解剖结构的真实，又通过肢体的紧张感传递出 “深度沉思” 的状态，避免了传统雕塑的僵硬与刻板。
• 情感表达：作品虽无面部细节的精细刻画（如五官模糊），却通过整体姿态传递强烈情感 —— 身体的前倾与手部托腮的动作，凸显人物沉浸在思考中的专注；肌肉的紧绷感暗示思考的沉重与艰难，使 “思想” 这一抽象概念转化为可感知的视觉形象。
• 象征意义：《思想者》并非特指某一位思想家，而是象征 “人类对自身存在、命运与真理的永恒探索”。罗丹曾说：“他不仅是一个人，更是人类全部思想的化身。” 作品超越了具体时代与个体，成为全人类共同的精神符号，至今仍具有强烈的感染力。

3. 谈野兽主义（派）画家马蒂斯的绘画创作，列举一件代表作

答案解析

（1）绘画创作核心特征（20 分）

1. “色彩解放”：打破色彩的写实性，强调情感表达
   马蒂斯是 “色彩解放” 的先驱，反对传统绘画中 “色彩需服务于物体固有色与光影” 的规则，主张 “色彩本身具有情感价值”：

• 非写实色彩：他笔下的物体色彩常与现实不符，如将天空画成绿色、将草地画成红色，通过色彩的强烈对比（如红与绿、黄与紫）传递情感 —— 如热烈的红色象征激情，冷静的蓝色象征宁静，使色彩成为独立的情感载体。
• 平涂色彩：摒弃传统的明暗过渡与透视法，采用 “平涂” 技法，色彩区域界限清晰，无渐变或阴影，如《红色的和谐》中，墙面、桌面、地面均以纯平的红色、绿色、黄色块构成，通过色彩的拼接营造视觉冲击力。

2. “形式简化”：摒弃细节，聚焦核心形态
   马蒂斯主张 “艺术应简化现实”，将物体的形态提炼为几何形状（如圆形、方形、三角形）与流畅曲线，摒弃繁琐的细节刻画：

• 人物与景物的简化：如《戴帽子的女人》中，人物的面部无精细五官，仅用色块与线条勾勒轮廓；背景的景物简化为几何色块，使画面聚焦于人物的整体姿态与色彩氛围。
• 线条的自由运用：线条不再局限于勾勒物体轮廓，而是具有独立的装饰性与韵律感，如曲线表现柔软的织物，直线表现坚硬的家具，线条的粗细、疏密变化为画面增添动感。

3. “装饰性” 与 “平面性” 的构图理念
   马蒂斯受东方艺术（如日本浮世绘、伊斯兰装饰艺术）影响，强调画面的 “装饰性” 与 “平面性”，打破传统绘画的三维空间感：

• 平面构图：摒弃透视法，将画面视为二维平面，通过色彩块的拼接、线条的分割营造空间感，而非依赖明暗与透视，如《红色的和谐》中，墙面、桌面、地面在同一平面上展开，通过色彩差异区分区域，却无三维空间的深度。
• 装饰性元素：常融入图案化的装饰元素，如花卉、几何纹样、织物图案，使画面兼具绘画性与装饰性，如《生活的欢乐》中，画面布满曲线勾勒的植物与人物，如同一幅大型装饰壁画，传递出愉悦、轻松的氛围。

4. 创作风格的阶段性演变
   马蒂斯的创作可分为三个阶段，风格不断突破：

• 野兽主义时期（1905—1908）：以强烈的色彩对比、简化的形式为特征，如《戴帽子的女人》《红色的和谐》，是野兽主义的巅峰。
• 装饰性绘画时期（1908—1940）：色彩趋于柔和，更注重画面的装饰性与韵律感，如《舞蹈》，以简洁的线条与柔和的色彩表现人物的动态，传递出生命的活力。
• 剪纸艺术时期（1940 年后）：因身体原因无法作画，转而创作剪纸艺术，如《国王的悲伤》，通过彩色纸片的拼接构成画面，形式更简洁，色彩更纯粹，是对 “色彩与形式” 的终极探索。

（2）代表作：《红色的和谐》（10 分）

1. 作品概况

   《红色的和谐》（Harmonie Rouge）创作于 1908 年，为布面油画，纵 180 厘米，横 220 厘米，现藏于圣彼得堡艾尔米塔什博物馆，是马蒂斯野兽主义时期的代表作，集中体现了 “色彩解放” 与 “平面构图” 的理念。
2. 艺术特色分析

• 色彩：画面以大面积的纯红色为主色调，墙面、桌面均为平涂的红色，仅用绿色的窗景、黄色的水果与蓝色的花瓶形成对比 —— 红色传递出温暖、热烈的氛围，绿色与蓝色则打破红色的单调，形成视觉平衡；色彩完全脱离现实（如现实中墙面不会是纯红色），却通过色彩的情感属性营造出 “和谐” 的意境。
• 形式与构图：物体形态被高度简化 —— 餐桌简化为长方形，椅子简化为几何轮廓，人物简化为线条勾勒的剪影；画面采用完全的平面构图，无透视或明暗过渡，墙面、桌面、地面在同一平面上拼接，通过线条的分割（如窗框、桌沿的线条）区分区域，却无三维空间感，如同一幅装饰性壁画。
• 情感与主题：作品描绘的是普通的室内场景（女子在餐桌旁忙碌），却通过强烈的色彩与简化的形式，将日常场景转化为充满活力与和谐的艺术世界，传递出马蒂斯对 “生活之美” 的理解 —— 美不在于细节的真实，而在于色彩与形式的和谐统一。

二、作品分析（每题 30 分，共 60 分）

1. 分析一幅唐代画家的作品（任选画家和作品进行分析）

答案解析

（1）作品概况（5 分）

（2）艺术特色分析（20 分）

1. “吴带当风” 的线条艺术
   吴道子以 “白描” 见长，线条是《送子天王图》的核心艺术语言，体现 “吴带当风” 的鲜明特色：

• 线条的动感与韵律：人物衣纹的线条流畅飘逸，如天王的长袍、侍从的飘带，线条呈弧形弯曲，随风飘动，仿佛能感受到画面中的气流流动 —— 如第二部分中王后的衣纹，线条从肩部向下自然垂落，又随身体姿态微微扬起，既有重量感，又有轻盈的动感，打破了传统线条的僵硬。
• 线条的粗细与力度变化：根据人物身份与部位调整线条粗细 —— 如天王的面部线条纤细柔和，凸显威严中的庄重；手臂与腿部的线条粗重有力，表现肌肉的力量感；衣纹的线条则粗细交替，如飘带的线条纤细，衣料褶皱的线条粗重，形成节奏变化，避免单调。
• 线条的表意功能：线条不仅勾勒轮廓，更传递人物情感与身份 —— 如天王的眉头用短而粗的线条，凸显威严与严肃；净饭王的面部线条柔和，传递出对婴儿的慈爱；侍从的线条轻快，表现出恭敬与灵动。

2. 人物形象的写实性与理想化结合
   吴道子的人物画兼具 “写实” 与 “理想化”，既符合人体结构的真实，又通过夸张手法凸显人物特征：

• 写实性：人物的比例、姿态符合人体解剖结构，如净饭王抱婴儿的姿态，手臂的弯曲、身体的倾斜，自然真实，无刻意的夸张；婴儿释迦牟尼的形象圆润可爱，符合婴儿的生理特征，体现唐代人物画的写实功底。
• 理想化：根据人物身份进行形象夸张 —— 如天王的身躯高大魁梧，面部饱满威严，眼睛圆睁，胡须浓密，凸显神性与权威；护法神的形象肌肉发达，怒目圆睁，姿态狰狞，强化宗教中的 “护法” 功能；而净饭王、王后的形象则更接近现实中的贵族，面容饱满，姿态优雅，符合唐代 “以胖为美” 的审美。

3. 叙事性与构图的逻辑性
   作为宗教叙事画，《送子天王图》通过清晰的构图传递故事脉络，兼具叙事性与逻辑性：

• 分段式构图：画面分为三部分，每部分对应一个叙事环节，从 “天王召见” 到 “净饭王送子” 再到 “天王迎接”，情节连贯，如同一幅 “连环画”，使观众能清晰理解 “释迦牟尼降生后被送往天王处” 的佛教故事。
• 人物关系的呼应：各部分人物通过姿态、眼神形成呼应，增强叙事的连贯性 —— 如第一部分中天王的目光朝向右侧，与第二部分中送子之神的方向一致；第三部分中天王的姿态朝向左侧，与第二部分中净饭王的方向呼应，使三部分画面形成整体，避免割裂。
• 背景的简化与聚焦：画面背景几乎留白，仅用简单的线条勾勒门框、台阶，无繁琐的景物刻画，使观众的注意力完全聚焦于人物与叙事，凸显宗教绘画的 “人物中心” 特征。

4. 唐代宗教绘画的时代特色
   《送子天王图》折射出唐代宗教绘画的两大时代特色：

• 宗教与世俗的融合：画面中的天王、护法神具有神性特征，而净饭王、王后的形象则融入唐代贵族的服饰与姿态（如王后的高髻、长袍），体现唐代 “宗教世俗化” 的倾向 —— 宗教故事不再是纯粹的神性叙事，而是与现实生活结合，更易被大众接受。
• “盛唐气象” 的体现：人物形象饱满大气，线条流畅自信，构图开阔，传递出唐代 “盛唐气象” 的雄浑与活力 —— 如天王的魁梧、王后的优雅、侍从的灵动，均体现唐代艺术的自信与包容，与唐代国力强盛、文化繁荣的时代背景相呼应。

（3）历史地位与影响（5 分）

2. 分析一幅达・芬奇的绘画（任选作品进行分析）

答案解析

（1）作品概况（5 分）

（2）艺术特色分析（20 分）

1. “科学写实”：解剖学与透视法的完美结合
   达・芬奇是 “艺术与科学结合” 的先驱，《蒙娜丽莎》中融入了他对解剖学、透视法的深入研究，使人物形象兼具真实感与科学性：

• 人体解剖学的应用：人物的比例、姿态完全符合人体解剖结构 —— 如头部与身体的比例为 1:8（符合文艺复兴时期的 “黄金比例”），手部的骨骼、肌肉刻画精细，手指的弯曲、手掌的弧度自然真实，无刻意的美化或夸张；面部的肌肉起伏（如嘴角的微笑、眼角的皱纹）符合面部表情肌的运动规律，使 “微笑” 具有生理上的合理性。
• 线性透视与空气透视的结合：画面采用 “线性透视” 聚焦于人物面部 —— 背景中的道路、桥梁向远处汇聚，消失点落在人物的双眼之间，使观众的视线自然集中于人物；同时运用 “空气透视” 处理背景山水 —— 近景的岩石、树木清晰，远景的山峦、天空模糊，且随着距离增加，色彩逐渐变淡（近景色彩饱和，远景色彩偏蓝灰），模拟了现实中 “空气对光线的散射”，营造出真实的空间深度，打破了中世纪绘画 “平面化” 的局限。

2. “渐隐法”（Sfumato）：柔和的光影与过渡
   达・芬奇独创 “渐隐法”，通过柔和的光影过渡，使人物与背景、物体的轮廓与细节自然融合，避免生硬的线条与明暗对比，这一技法在《蒙娜丽莎》中体现得淋漓尽致：

• 面部光影的渐隐：人物面部无清晰的轮廓线，光线从左侧照射，面部的受光面、阴影面之间无明显界限，而是通过色彩的微妙变化自然过渡 —— 如额头的受光面从亮到暗逐渐变淡，颧骨的阴影与面颊的受光面融合，使面部具有圆润的体积感；尤其是 “微笑” 的处理，嘴角的阴影与面部肌肉的起伏自然过渡，既不是明显的笑容，也不是完全的平静，形成 “似笑非笑” 的微妙效果，被称为 “神秘的微笑”。
• 衣物与背景的渐隐：人物的衣物（深色长袍）无清晰的褶皱线条，而是通过光影的柔和变化表现衣料的质感 —— 受光面的衣料明亮，阴影面的衣料暗沉，过渡自然，避免了传统绘画中 “线条勾勒褶皱” 的刻板；背景的山水与人物之间也无明显界限，人物的肩部与背景的树木通过光影融合，使人物仿佛 “融入自然”，而非孤立于背景。

3. “人文主义” 思想的体现
   《蒙娜丽莎》是文艺复兴 “人文主义” 的视觉表达，核心是 “关注人的价值与情感”，而非中世纪绘画的 “宗教神性”：

• 人物身份的世俗化：作品描绘的是普通市民（商人妻子），而非宗教人物（如圣母、圣徒），人物穿着朴素的世俗服饰，姿态自然放松（双手交叠放在腿上，身体微微前倾），体现了文艺复兴时期 “对世俗人生的关注”—— 人的价值不再依赖于宗教，而是源于自身的情感与存在。
• 情感的真实性与复杂性：达・芬奇摒弃了传统肖像画 “表情僵硬、姿态刻板” 的模式，通过 “神秘的微笑” 传递人物复杂的内心世界 —— 微笑中既有愉悦，又有沉思，还有一丝含蓄，体现了 “人具有丰富情感与独立思想” 的人文主义理念；人物的眼神温和而坚定，仿佛在与观众对话，传递出人的 “主体性” 与 “尊严”。

4. 构图与色彩的平衡感

• 构图：采用 “三角形构图”—— 人物的头部、肩部、双手构成一个稳定的三角形，使画面兼具平衡感与稳定感；同时人物身体微微前倾，头部转向右侧，打破了三角形的绝对对称，增添了画面的灵动性，避免单调。
• 色彩：色彩以柔和的暖色调为主 —— 人物的皮肤呈暖米色，衣物为深色（深棕、黑色），背景的山水以蓝灰、绿灰为主，色彩饱和度低，无强烈对比；暖色调的人物与冷色调的背景形成平衡，既凸显了人物，又使画面整体和谐统一，传递出宁静、优雅的氛围。

（3）历史地位与影响（5 分）

• 艺术技法层面：“渐隐法”“科学透视” 的应用，为后世写实绘画奠定了基础，影响了拉斐尔、米开朗基罗等文艺复兴巨匠，成为西方写实绘画的 “技法典范”。
• 思想层面：作品通过对世俗人物情感与尊严的刻画，深刻诠释了 “人文主义” 思想，推动了西方艺术从 “宗教叙事” 向 “人的叙事” 转型，标志着 “人” 在艺术中的核心地位的确立。
• 文化影响层面：《蒙娜丽莎》的 “神秘微笑” 成为世界文化符号，引发了数百年的研究与解读，其影响力跨越艺术领域，渗透到文学、哲学、流行文化中，是人类文明史上的 “文化瑰宝”。

真题使用建议

1. 构建 “艺术家 - 作品 - 时代” 知识体系：每个艺术家论述题需覆盖 “创作理念、技法特色、代表作、时代背景” 四大维度（如石涛需关联 “清初四僧” 的遗民身份，马蒂斯需关联野兽主义的时代革新）；作品分析需结合 “作品概况、艺术技法、思想内涵、历史影响”，避免孤立分析细节。
2. 强化 “对比思维” 与 “案例积累”：如对比唐代吴道子与宋代李公麟的线条风格，对比达・芬奇与米开朗基罗的写实差异；同时积累 3-5 个不同时代、不同流派的核心艺术家与代表作（如中国古代的顾恺之、西方现代的毕加索），应对灵活的题目选择。
3. 参考高分答案详解优化答题逻辑：考博信息网提供的真题详解会标注 “得分点分布”（如艺术家论述题中 “代表作分析” 占 10 分，“创作特征” 占 20 分），考生可参考其结构（总分总、分点论述），避免答题混乱；同时学习专业术语的规范表述（如 “吴带当风”“渐隐法”），提升答案的学术性。
4. 模拟实战训练：按照考试时间（3 小时）完整作答真题，注重 “时间分配”（如艺术家论述题每题控制在 40 分钟内，作品分析题每题控制在 50 分钟内），避免因时间不足导致答案不完整。