2026 年青岛大学 629 外国音乐史考研真题样题

一、名词解释（从以下 8 题中选择 6 题回答，共 60 分）

1. 大协奏曲

• 结构组成：通常由 “独奏组”（Concertino，如小提琴、大提琴、羽管键琴等 2-4 件乐器）与 “合奏组”（Concerto Grosso，由弦乐合奏加通奏低音构成）组成，通过两组乐器的音色、音量对比营造音乐张力。
• 音乐特点：遵循 “快 - 慢 - 快” 三乐章结构，第一乐章多采用 “合奏 - 独奏 - 合奏” 的交替形式（即 “合奏段 [Tutti] 与独奏段 [Solo] 交替”），强调旋律的华丽性与技巧性，通奏低音（低音提琴 + 羽管键琴）贯穿全曲，奠定和声基础。
• 代表作品：巴赫的《勃兰登堡协奏曲》（尤其第 5 首）、科雷利的《合奏协奏曲》Op.6，该形式推动了后世协奏曲 “独奏与乐队对话” 理念的发展。

2. 格里高利圣咏

• 音乐特征：采用无伴奏男声单声部旋律，节奏自由（无固定节拍，随拉丁文歌词的韵律变化），调式为教会调式（如多利亚调式、弗里几亚调式），歌词全部来自《圣经》，内容以祈祷、赞美为主，强调 “肃穆、庄严” 的宗教氛围，无世俗情感表达。
• 演唱形式：主要用于教堂礼拜仪式（如弥撒、日课），演唱方式包括 “独唱”“齐唱”“交替合唱”（左右唱诗班交替演唱）。
• 历史意义：是中世纪音乐文化的核心载体，不仅规范了宗教音乐的统一风格，其旋律素材还成为 13-14 世纪复调音乐（如奥尔加农、经文歌）的创作基础，对西方音乐调式体系的形成影响深远。

3. 新艺术

• 核心革新：在记谱法上，首次引入 “二分音符”“四分音符” 等更细分的节奏符号，取代了古艺术的 “模式节奏”，使节奏更灵活、复杂，可精确记录不同时长的音符；在音乐内容上，世俗音乐（如法国的维勒莱、回旋歌，意大利的牧歌）成为创作主流，歌词多以爱情、自然为主题，突破宗教题材的限制。
• 代表人物：法国作曲家马肖（Guillaume de Machaut，创作了西方第一部完整的弥撒曲《圣母弥撒》）、意大利作曲家兰迪尼（Francesco Landini，以 “兰迪尼终止式”—— 低音从五度到三度再到主音的进行 —— 闻名）。
• 历史影响：为文艺复兴时期音乐的世俗化、个性化发展奠定了基础，推动了复调音乐技巧的成熟。

4. 三重奏鸣曲

• 乐器组成：虽名为 “三重”，实际由 4 件乐器演奏，分为 “旋律声部”（2 件高音乐器，如两把小提琴）、“低音声部”（1 件低音乐器，如大提琴或低音提琴）与 “和声填充声部”（1 件通奏低音乐器，如羽管键琴），四件乐器共同构成 “旋律 + 和声 + 低音” 的三重织体效果。
• 音乐结构：多为 “快 - 慢 - 快” 三乐章或 “快 - 慢 - 中 - 快” 四乐章结构，第一乐章常用赋格式模仿手法，强调声部间的对话，整体风格典雅、精致，适合室内小范围演奏。
• 代表作品：科雷利的《三重奏鸣曲》Op.1、巴赫的《小提琴与羽管键琴三重奏鸣曲》，该形式是古典主义时期弦乐四重奏的重要前身。

5. 清唱剧

• 结构组成：通常由 “宣叙调”（Recitative，叙述情节，类似说话的旋律）、“咏叹调”（Aria，抒发角色情感，旋律华丽，技巧性强）、“合唱”（Chorus，总结情节或表达群体情感，是清唱剧的核心部分）及 “序曲”“间奏曲” 等器乐段落组成，篇幅宏大，多为 3-4 个部分。
• 题材特点：早期以《圣经》故事为主要题材（如 “创世记”“以色列人的苦难”），内容严肃，虽有角色分工，但无舞台动作，仅通过音乐与歌词叙事，适合在教堂或音乐厅演出。
• 代表作品：亨德尔的《弥赛亚》（其中《哈利路亚》合唱段是经典）、海顿的《创世记》，清唱剧因 “无需舞台布景” 的灵活性，成为巴洛克时期宗教音乐与世俗听众沟通的重要载体。

6. 《勃兰登堡协奏曲》

• 作品特点：每首协奏曲采用不同的独奏乐器组合，展现了巴赫对乐器音色的精准把控与复调技巧的高超运用 —— 如第 1 首使用圆号、双簧管等铜管与木管乐器，风格辉煌；第 5 首以羽管键琴为核心独奏乐器，首次将羽管键琴的独奏技巧推向高潮；第 6 首仅用低音乐器（两把中提琴、两把低音提琴），音色浑厚低沉。
• 结构共性：所有作品均遵循巴洛克协奏曲 “快 - 慢 - 快” 三乐章结构，第一乐章多采用 “合奏与独奏交替” 的形式，第三乐章常用赋格手法，强调声部的模仿与交织，通奏低音贯穿全曲，和声稳定饱满。
• 历史地位：该作品不仅是巴赫器乐创作的代表作，更集中体现了巴洛克时期大协奏曲的最高成就，对后世协奏曲的发展（如古典主义时期的独奏协奏曲）具有重要启发意义。

7. 《美丽的磨坊女》

• 内容主题：以 “青年磨工的爱情悲剧” 为叙事主线 —— 青年磨工来到磨坊工作，爱上磨坊主的女儿，却因情敌（猎人）的出现而心碎，最终投河自尽，歌词充满浪漫主义的 “忧郁、感伤” 色彩，反映了 19 世纪初欧洲青年的情感困境。
• 音乐特点：采用 “通谱歌”（Through-composed）与 “分节歌”（Strophic）结合的形式，每首歌曲的旋律、和声均与歌词情感匹配（如表现 “喜悦” 时用明亮的大调，表现 “悲伤” 时用低沉的小调）；钢琴伴奏不仅是旋律的支撑，更通过 “动机贯穿”（如代表 “小溪” 的流水般音型）塑造场景、烘托情绪，实现 “音乐与诗歌的深度融合”。
• 历史意义：该套曲确立了浪漫主义艺术歌曲 “诗歌与音乐平等对话” 的原则，推动了 “艺术歌曲套曲” 这一体裁的发展，成为后世舒曼、勃拉姆斯等作曲家创作的范本。

8. 印象主义音乐

• 音乐革新：在和声上，打破传统大小调体系，大量使用 “全音音阶”“五声音阶”“九和弦”“十一和弦” 等不协和和声，弱化和声的功能性（无明确的主属关系），营造 “模糊、漂浮” 的音色效果；在旋律上，旋律线条碎片化、无明显高潮，类似 “瞬间的音乐印象”；在配器上，注重乐器的独特音色组合（如长笛、单簧管的低音区，竖琴的泛音），强调 “色彩性” 而非 “力量感”。
• 代表人物与作品：德彪西（Claude Debussy，代表作《牧神午后前奏曲》《大海》，通过管弦乐音色模拟 “阳光、海浪” 的印象）、拉威尔（Maurice Ravel，代表作《水的嬉戏》《波莱罗舞曲》，虽风格更清晰，但仍延续印象主义的音色追求）。
• 历史影响：印象主义音乐打破了古典主义、浪漫主义的传统音乐框架，为 20 世纪现代音乐（如表现主义、序列音乐）的革新开辟了道路，是西方音乐从 “传统” 向 “现代” 转型的关键流派。

二、简答题（2 题，共 30 分）

1. 新古典主义的创作特征及其代表人物

（一）核心创作特征

1. 题材与形式：回归古典主义时期的传统体裁，如交响曲、奏鸣曲、协奏曲、赋格、组曲等，摒弃浪漫主义的标题音乐（如交响诗）与大型声乐作品（如清唱剧），强调 “形式的纯粹性”；部分作品直接引用古典主义作曲家的旋律或结构（如巴赫、莫扎特的音乐素材），但赋予现代和声与配器处理（如斯特拉文斯基的《普尔钦奈拉》引用佩尔戈莱西的旋律）。
2. 音乐语言：追求 “简洁、清晰、客观” 的风格 —— 旋律线条简洁明快，避免浪漫主义的华丽装饰；和声以传统大小调为基础，减少不协和和声的使用，强调和声的功能性；节奏规整有力，常采用古典主义的舞曲节奏（如小步舞曲、吉格舞曲），反对印象主义的自由节奏。
3. 情感表达：主张 “情感的克制与客观”，反对浪漫主义的主观抒情与夸张表达，音乐多无明确的情感指向，更注重 “形式美” 与 “逻辑美”，如斯特拉文斯基强调 “音乐应是声音的组合，而非情感的宣泄”。
4. 配器特点：配器简洁透明，避免浪漫主义与印象主义的复杂管弦乐编制，常用小型乐队或室内乐编制（如弦乐四重奏、钢琴三重奏），乐器音色清晰可辨，无过度的音色叠加，类似古典主义时期的 “清晰织体”。

（二）代表人物及作品

1. 伊戈尔・斯特拉文斯基（Igor Stravinsky，俄国裔法国作曲家）：新古典主义的核心代表，代表作《春之祭》（早期虽属原始主义，但后期转向新古典主义）、《艺术大师的聚会》《D 大调小提琴协奏曲》，其作品严格遵循古典主义的形式结构，和声简洁，节奏有力，体现了 “理性至上” 的新古典主义理念。
2. 保罗・欣德米特（Paul Hindemith，德国作曲家）：提出 “实用音乐”（Gebrauchsmusik）理念，主张音乐应服务于实际需求（如教学、舞蹈），代表作《调性游戏》（一部基于古典赋格形式的钢琴作品，探索调性音乐的可能性）、《交响曲 “画家马蒂斯”》，其作品结构严谨，和声基于传统调性，风格客观理性。
3. 弗朗西斯・普朗克（Francis Poulenc，法国作曲家）：作品融合新古典主义的简洁与法国音乐的优雅，代表作《钢琴协奏曲》《弥撒曲》，旋律明快，和声清晰，常引用古典主义的舞曲形式（如小步舞曲），情感表达克制而不失灵动。

2. 肖邦的钢琴音乐创作

（一）主要创作体裁及代表作

1. 玛祖卡（Mazurka）：源于波兰民间玛祖卡舞曲，共创作 58 首，特点是三拍子节奏（重音常落在第二拍，形成独特的 “切分感”），旋律充满波兰民间音乐的质朴与热情，如《升 c 小调玛祖卡》，是肖邦 “民族音乐情怀” 的直接体现。
2. 波兰舞曲（Polonaise）：又称 “波罗乃兹”，源于波兰宫廷舞曲，共创作 16 首，风格庄严、宏伟，多为四拍子，旋律线条挺拔，常表现波兰民族的英雄气概，如《降 A 大调波兰舞曲 “英雄”》《g 小调波兰舞曲》，是肖邦对祖国的情感寄托。
3. 夜曲（Nocturne）：受爱尔兰作曲家菲尔德的夜曲启发，共创作 21 首，特点是 “抒情性强、旋律优美、和声丰富”，以右手的歌唱性旋律与左手的分解和弦伴奏为核心，营造 “宁静、忧郁” 的夜晚氛围，如《降 E 大调夜曲》《c 小调夜曲》，是肖邦 “钢琴诗人” 风格的代表。
4. 练习曲（Étude）：共创作 27 首，打破传统练习曲 “单纯技巧训练” 的定位，将 “技术性” 与 “音乐性” 完美结合 —— 每首练习曲针对一种钢琴技巧（如快速音阶、琶音、双音），但旋律与和声充满情感，如《c 小调练习曲 “革命”》（表现对波兰革命失败的悲愤）、《降 G 大调练习曲 “黑键”》（以黑键为主的快速音阶练习，音乐灵动活泼）。
5. 谐谑曲（Scherzo）：共创作 4 首，突破古典主义谐谑曲 “轻快、幽默” 的传统，风格激昂、戏剧性强，结构为 “三段式”，常以强烈的节奏对比与和声冲突营造张力，如《b 小调谐谑曲》《降 b 小调谐谑曲》。
6. 奏鸣曲：共创作 3 首，虽遵循古典主义奏鸣曲的 “四乐章结构”，但融入浪漫主义的情感表达，如《降 b 小调钢琴奏鸣曲》（第三乐章《葬礼进行曲》是经典，旋律悲伤肃穆，广泛流传）、《c 小调钢琴奏鸣曲》。

（二）核心音乐特点

1. 民族性：肖邦的作品深度融合波兰民间音乐元素 —— 玛祖卡、波兰舞曲的节奏与旋律，使作品具有鲜明的 “波兰民族身份”，同时通过音乐表达对祖国的热爱与对民族命运的关切（尤其在波兰被瓜分后），是浪漫主义 “民族乐派” 的早期代表。
2. 抒情性：肖邦擅长创作 “歌唱性旋律”，右手旋律线条如人声般优美流畅，左手伴奏多采用分解和弦或琶音，营造 “和声丰满、音色温暖” 的效果，体现了浪漫主义 “抒情至上” 的理念，被誉为 “用钢琴歌唱的诗人”。
3. 技巧性：肖邦针对钢琴的乐器特性（如键盘宽度、音色变化）创造了多种独特技巧，如 “半音阶滑奏”“双音颤音”“左手旋律右手伴奏的交替”，既拓展了钢琴的表现力，又为后世钢琴演奏技巧奠定了基础。
4. 和声创新性：肖邦在传统和声基础上，大量使用 “半音变化和弦”“减七和弦”“九和弦”，丰富了和声色彩，增强了音乐的情感张力，如夜曲中通过和声的细微变化表现情绪的波动，为浪漫主义和声发展提供了新思路。

（三）历史意义

三、论述题（从以下 3 题中选择 2 题回答，共 60 分）

1. 论述德国宗教改革音乐的创作与风格

（一）背景与核心音乐理念

1. 改革背景：中世纪以来，罗马天主教的宗教音乐（如格里高利圣咏）以拉丁语为歌词，仅由专业唱诗班演唱，普通民众难以理解与参与；马丁・路德认为 “宗教应面向民众”，主张用德语创作宗教音乐，让信徒通过歌唱直接与上帝沟通，因此推动了 “德语宗教音乐” 的创作。
2. 核心理念：“音乐为宗教服务，为民众服务”—— 音乐不再是教会垄断的 “神圣符号”，而是信徒表达信仰的工具；强调 “歌词的清晰度”（让听众听懂教义）与 “旋律的易唱性”（让普通民众能参与演唱），反对复杂的复调技巧掩盖歌词含义。

（二）主要创作类型及代表作

1. 众赞歌（Chorale）：是宗教改革音乐的核心，由德语歌词、简单旋律构成，可由全体信徒齐唱，是 “民众参与宗教音乐的主要形式”。
   • 来源：一部分是改编自格里高利圣咏（将拉丁语歌词译为德语，简化旋律），如《坚固堡垒》（改编自圣咏旋律，成为宗教改革的 “战歌”）；另一部分是原创旋律，如路德本人创作的《我们的主是坚固堡垒》（歌词与旋律均为原创，旋律简洁有力，至今仍是德国新教的重要圣歌）。
   • 演唱形式：早期为无伴奏齐唱，后期逐渐加入钢琴或管风琴伴奏，在教堂礼拜中用于 “开场”“祈祷”“结束” 等环节，成为信徒集体信仰表达的载体。
2. 基于众赞歌的复调音乐：随着复调技巧的发展，作曲家开始以众赞歌为主题，创作复调作品（如经文歌、弥撒曲），既保留众赞歌的 “群众性”，又提升音乐的艺术性。
   • 代表人物与作品：
     • 约翰・瓦尔特（Johann Walter，德国早期宗教改革作曲家）：创作了《圣歌集》，收录了多首基于众赞歌的复调经文歌，采用 “主调与复调结合” 的形式（主旋律清晰，其他声部作为伴奏），确保歌词可懂。
     • 海因里希・许茨（Heinrich Schütz，德国巴洛克早期作曲家）：将意大利复调技巧与德国众赞歌结合，创作了《神圣合唱曲》《圣诞故事》，作品既具有巴洛克复调的华丽，又保留了众赞歌的庄严与易懂，是宗教改革音乐向巴洛克音乐过渡的关键作品。

（三）核心风格特征

1. 语言与歌词：全部使用德语歌词，歌词内容选自《圣经》或宗教改革时期的诗歌，通俗易懂，贴合普通民众的信仰需求，彻底打破了拉丁语在宗教音乐中的垄断地位。
2. 旋律特点：旋律简洁、规整，多为级进或小跳进，避免复杂的装饰音与大跳，便于普通民众记忆与演唱（如《我们的主是坚固堡垒》的旋律，仅用 8 个小节，节奏平稳，易唱易记）。
3. 织体与和声：早期以 “主调织体”（单声部齐唱或主旋律 + 简单伴奏）为主，确保歌词清晰；后期逐渐融入复调织体，但仍以 “众赞歌主旋律” 为核心，其他声部仅作为辅助，不掩盖主旋律，和声以传统大小调为基础，稳定和谐，符合民众的听觉习惯。
4. 情感与功能：音乐风格庄严、肃穆，同时充满 “信仰的热情”，不追求复杂的情感表达，核心功能是 “传递教义、凝聚信徒”，体现了宗教改革 “实用主义” 的音乐观。

（四）历史影响

1. 推动宗教音乐的 “民主化”：让宗教音乐从 “教会专业人士专属” 走向 “全体信徒参与”，拉近了音乐与民众的距离，为后世基督教音乐的 “大众化” 奠定了基础。
2. 确立德国民族音乐的 “语言基础”：以德语为歌词的创作，使德国宗教音乐具有鲜明的民族特色，推动了德国民族音乐语言的形成，为后世巴赫、亨德尔等德国作曲家的创作提供了 “民族音乐素材”（如巴赫的大量众赞歌前奏曲，均以宗教改革时期的众赞歌为主题）。
3. 影响西方宗教音乐的发展方向：宗教改革音乐的 “实用性”“群众性” 理念，影响了后世新教音乐（如英国圣公会音乐、美国福音音乐）的发展，同时也与天主教的 “反宗教改革音乐”（如帕莱斯特里那的无伴奏合唱）形成对比，共同丰富了 16-17 世纪西方宗教音乐的多样性。

2. 论述意大利歌剧的早期发展

（一）起源阶段（16 世纪末，佛罗伦萨 Camerata 小组）

1. 核心理念：认为古希腊悲剧是 “由单人演唱的叙事性音乐”，因此主张创作 “单声部旋律 + 简单伴奏” 的音乐，强调 “歌词的清晰度” 与 “情感的自然表达”，反对复调音乐的多声部交织掩盖歌词含义。
2. 早期尝试：1597 年，作曲家佩里（Jacopo Peri）与卡契尼（Giulio Caccini）创作了《达芙妮》（已失传），这是西方历史上第一部歌剧；1600 年，佩里创作的《尤丽狄克》（Euridice）上演，现存最早的完整歌剧，作品以希腊神话为题材，采用 “宣叙调”（Recitative，类似说话的旋律，用于叙事）与 “咏叹调”（Aria，用于抒情）结合的形式，伴奏仅用羽管键琴与琉特琴，织体简洁，歌词清晰。
3. 风格特征：旋律接近 “说话的自然节奏”，无固定节拍，和声简单，以服务歌词叙事为主，情感表达克制，尚未形成成熟的歌剧结构，更像是 “带音乐的戏剧”。

（二）初创阶段（17 世纪初，曼图亚与罗马）

1. 曼图亚时期（蒙特威尔第）：1607 年，蒙特威尔第在曼图亚创作《奥菲欧》（L'Orfeo），这是第一部成熟的歌剧，标志着歌剧从 “初创” 走向 “定型”。
   • 作品特点：题材仍为希腊神话（奥菲斯拯救妻子尤丽狄克的故事），但在结构与音乐上有重大突破 —— 首次使用 “管弦乐队” 伴奏（包括弦乐、木管、铜管、打击乐共 40 余种乐器），不同乐器对应不同场景与情感（如长号表现地狱的庄严，小提琴表现爱情的温柔）；丰富了 “宣叙调” 与 “咏叹调” 的对比 —— 宣叙调更富情感张力（如奥菲斯得知妻子死亡时的悲痛宣叙调），咏叹调旋律更优美（如《多么幸福》，成为经典抒情段落）；加入 “合唱” 与 “舞蹈” 段落，使歌剧成为 “音乐、戏剧、舞蹈” 结合的综合艺术。
2. 罗马时期（17 世纪 20-30 年代）：罗马歌剧更注重 “宗教题材” 与 “华丽的舞台效果”，以吸引贵族观众，代表作品如斯特拉代拉（Alessandro Stradella）的《圣乔瓦尼・巴蒂斯塔》，题材为宗教故事，舞台设计华丽（如使用机械装置模拟天堂、地狱场景），音乐中加入更多 “合唱” 与 “器乐间奏曲”，但旋律与情感表达相对保守，更强调 “视觉与听觉的奢华体验”。

（三）成熟阶段（17 世纪中叶，威尼斯）

1. 蒙特威尔第的威尼斯时期：1642 年，蒙特威尔第创作《波佩阿的加冕》（L'incoronazione di Poppea），这是他晚期的巅峰之作，也是威尼斯歌剧的代表作。
   • 作品特点：题材从 “神话 / 宗教” 转向 “历史现实”（以罗马皇帝尼禄的情妇波佩阿加冕为皇后的故事为背景），首次引入 “人性的复杂情感”（如欲望、嫉妒、野心），突破了传统题材的限制；音乐上，宣叙调与咏叹调的融合更自然，咏叹调的 “抒情性” 与 “技巧性” 进一步提升（如波佩阿的咏叹调《甜蜜的爱情》，旋律优美，技巧华丽）；管弦乐伴奏更丰富，通过 “动机贯穿”（如代表 “野心” 的特定旋律）塑造人物性格，使歌剧的 “戏剧冲突” 更强烈。
2. 卡瓦利的创作：卡瓦利是蒙特威尔第的学生，共创作 40 余部歌剧，代表作《爱之甘醇》（非后来多尼采蒂的同名作品）、《奥尔菲斯》，其作品进一步简化 “宣叙调”，强化 “咏叹调” 的抒情性，旋律更易记，适合普通民众欣赏；同时，他首次在歌剧中加入 “喜剧元素”，打破了早期歌剧 “严肃悲剧” 的单一风格，为后世 “喜歌剧” 的发展奠定了基础。
3. 威尼斯歌剧的风格共性：
   • 题材多样化：涵盖神话、历史、宗教，甚至加入现实与喜剧元素；
   • 音乐结构成熟：形成 “宣叙调 - 咏叹调 - 合唱 - 间奏曲” 的固定结构，咏叹调成为歌剧的核心抒情段落；
   • 舞台与受众：建立了世界上第一座公共歌剧院（威尼斯圣卡西亚诺歌剧院，1637 年），面向普通民众售票，推动了歌剧的商业化与普及化；
   • 声乐技巧：强调歌手的 “演唱技巧”（如装饰音、花腔），催生了早期 “阉人歌手” 的流行，提升了歌剧的声乐表现力。

（四）早期意大利歌剧的历史意义

1. 确立歌剧的 “综合艺术” 属性：将 “音乐（声乐 + 器乐）、戏剧（剧本 + 表演）、舞台（布景 + 舞蹈）” 融为一体，奠定了西方歌剧的基本形态，至今仍是歌剧的核心特征。
2. 推动声乐艺术的发展：早期歌剧对 “宣叙调”“咏叹调” 的探索，以及对歌手演唱技巧的重视，推动了声乐表演艺术的成熟，为后世美声唱法（Bel Canto）的形成奠定了基础。
3. 影响欧洲歌剧的传播：意大利早期歌剧的创作理念与形式，通过作曲家与歌手传播到法国、德国、英国等欧洲国家，推动了各国民族歌剧的发展（如法国的抒情歌剧、德国的正歌剧），成为西方歌剧的 “共同起源”。

3. 论述贝多芬交响曲的创作与风格

（一）创作分期（按风格演变分为三时期）

1. 早期（1795-1802 年，第一、二交响曲）：受海顿、莫扎特古典主义风格影响，形式严谨，风格明快，仍保留古典主义的 “优雅与平衡”，但已初显个人特色。
   • 代表作品：《C 大调第一交响曲》（1800 年），遵循古典主义交响曲 “四乐章结构”（快板 - 慢板 - 小步舞曲 - 快板），旋律优美，和声规范，但在结尾处加入 “意外的和声转折”，打破了古典主义的平稳，体现了贝多芬的创新意识；《D 大调第二交响曲》（1802 年），风格更激昂，第三乐章用 “谐谑曲” 取代了古典主义的 “小步舞曲”，节奏更活跃，增强了音乐的动力感。
2. 中期（1803-1812 年，第三至第八交响曲，“英雄时期”）：因听力开始衰退，贝多芬将 “抗争、奋斗、胜利” 的情感融入作品，风格雄浑、悲壮，结构与和声突破古典主义框架，是其创作的巅峰期。
   • 代表作品：
     • 《降 E 大调第三交响曲 “英雄”》（1804 年）：被视为 “古典主义向浪漫主义过渡的里程碑”，篇幅远超古典主义交响曲（第一乐章长达 500 余小节），第三乐章用 “谐谑曲” 取代小步舞曲，节奏强劲；第二乐章《葬礼进行曲》庄严悲壮，表达对英雄的哀悼；第四乐章用变奏曲形式，充满胜利的喜悦，整体体现 “从抗争到胜利” 的情感弧线，打破了古典主义交响曲的 “情感克制”。
     • 《c 小调第五交响曲 “命运”》（1808 年）：以 “命运敲门” 的动机（“当当当当”，短 - 短 - 短 - 长）贯穿全曲，四个乐章形成 “命运的压迫 - 抗争 - 宁静反思 - 最终胜利” 的叙事逻辑，和声冲突强烈（如第一乐章的 c 小调与 C 大调对比），节奏紧凑，是贝多芬 “与命运抗争” 精神的集中体现，成为西方音乐史上最具影响力的交响曲之一。
     • 《F 大调第六交响曲 “田园”》（1808 年）：是最早的 “标题交响曲” 之一，各乐章均有标题（如 “初到乡村的喜悦”“暴风雨”），通过管弦乐音色模拟自然场景（如小鸟鸣叫、小溪流水、暴风雨），虽为标题音乐，但仍遵循古典主义形式结构，是 “自然情感与形式美的结合”。
3. 晚期（1813-1824 年，第九交响曲）：听力完全丧失，作品风格转向 “内省、深沉”，结构更复杂，融入 “复调技巧” 与 “哲学思考”，并首次在交响曲中加入 “合唱”，突破了交响曲的器乐体裁限制。
   • 代表作品：《d 小调第九交响曲 “合唱”》（1824 年），是贝多芬晚期的巅峰之作，也是西方音乐史上的里程碑。
     • 结构突破：第四乐章首次加入 “合唱” 与 “独唱”，歌词选用席勒的《欢乐颂》，将 “器乐交响曲” 与 “声乐合唱” 结合，拓展了交响曲的表现力，表达 “人类追求自由与欢乐” 的哲学思想。
     • 音乐特点：第一乐章阴沉压抑，第二乐章谐谑曲充满动力，第三乐章慢板宁静深沉，第四乐章从 “命运动机” 的回顾转向《欢乐颂》的辉煌合唱，情感从 “痛苦” 到 “欢乐”，从 “个人抗争” 到 “人类共同的理想”，达到了情感与思想的最高升华。

（二）核心风格特征

1. 结构创新：在古典主义 “四乐章结构” 基础上，突破篇幅限制（中期交响曲篇幅比海顿、莫扎特的长 50% 以上）；用 “谐谑曲” 取代古典主义的 “小步舞曲”，增强节奏的动力感与戏剧性；晚期加入 “合唱”，打破交响曲的器乐体裁边界，拓展了交响曲的表现空间。
2. 和声与动机：大量使用 “不协和和声”（如减七和弦、半音变化和弦）与 “和声转折”，增强音乐的冲突感与张力（如《命运交响曲》第一乐章的和声对比）；采用 “动机贯穿” 手法（如 “命运动机”“欢乐动机”），使全曲结构更统一，同时通过动机的变形（如从低沉到高亢）表现情感的发展，增强音乐的叙事性。
3. 情感表达：从早期的 “明快优雅” 到中期的 “抗争奋斗”，再到晚期的 “深沉哲思”，情感表达逐渐从 “个人情感” 上升到 “人类共同的情感与理想”，突破了古典主义 “情感克制” 的原则，融入浪漫主义的 “主观抒情” 与 “英雄主义”，体现了贝多芬 “扼住命运咽喉” 的精神。
4. 配器特点：重视管弦乐的 “音色对比” 与 “力量感”，增强铜管乐器（如圆号、小号）的使用（如《英雄交响曲》中的铜管齐奏），使音乐更雄浑；晚期作品中弦乐与管乐的织体更复杂，复调手法的运用（如第九交响曲第四乐章的赋格段）增强了音乐的深度与复杂性。

（三）历史影响

1. 推动交响曲的 “浪漫化转型”：贝多芬的交响曲突破了古典主义的形式限制，融入主观情感与哲学思想，为 19 世纪浪漫主义交响曲（如 Brahms、Wagner 的交响曲）奠定了基础，使交响曲从 “形式美” 转向 “情感与思想的表达”。
2. 确立 “英雄主义” 的交响曲传统：其作品中 “抗争 - 胜利” 的情感逻辑，成为后世英雄主义交响曲的范本（如柴可夫斯基的《第五交响曲》、德沃夏克的《第九交响曲 “自新大陆”》）。
3. 影响西方音乐的整体发展：贝多芬的 “创新精神”（如和声突破、体裁拓展）不仅影响了交响曲，还推动了钢琴奏鸣曲、弦乐四重奏等其他体裁的发展，其 “音乐应表达深刻思想” 的理念，成为后世作曲家的核心追求，被誉为 “西方音乐的桥梁”（连接古典主义与浪漫主义）。